Confrontation à son propre vide et à ses propres limites. Lorsque j’étais encore étudiante aux Beaux-Arts, nous réalisions des projets individuels et de temps à autre nous nous réunissions pour recevoir la critique instructive d’un professeur.

   Le travail que je présentais en cours de réalisation se voulait être une installation dans l’espace, de photos et de cages.(Voir photo ci-après)

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   Le projet était encore ambigu, il touchait à la notion d’intimité.

   J’avais photographié au macro des parties de peinture qui était dans un livre intime peint. Je souhaitais en faisant cela mettre à jour une partie de cette intimité mais, n’en ayant photographié qu’une partie ce fragment d’intimité n’aurait pu être réellement compris et capturé par l’autre : il aurait au contraire renvoyé le spectateur au questionnement de sa propre intimité.

   Pour compliquer le tout et protéger au mieux cette intimité, j’ai décidé de souder des barres de métal pour en faire des cages dans lesquelles je rangerais ces photos, elles seraient ainsi vues mais non touchées, entrecoupées de barreau ce qui ne faciliterait pas la vision qu’on en aurait et de plus elles seraient protégées.

   Le professeur, pour résumer ces propos, me fit remarquer que ces photos de l’intimité sous cage étaient peut-être protégées par la cage mais que la cage enfermait également ces photos, et que c’était ainsi une proposition à double tranchant, l’important étant de ne pas se faire piéger.

   Il rajouta qu’il lui semblait, que je n’avais pas la clef de cette cage et il me conseilla d’arrêter ce travail pendant un moment et de prendre du recul. Ce que je fis et qui me fit beaucoup de bien parce qu’effectivement j’avais touché à un nœud que je n’étais pas à l’époque en mesure de dénouer. Je repris ce travail quelques années plus tard et ai même pu l’exposer au regard des autres qui m’en firent toutes sortes d’interprétations que j’étais prête à recevoir enfin. Cette confrontation à ma propre limite a sans doute été à l’époque très difficile à gérer.

   Je pense aujourd’hui que c’était une étape nécessaire pour me découvrir à moi-même. Prise de risque qui permet au travail d’avoir une plus forte présence lorsque ce travail est partagé avec l’autre.

   Comme l’écrit si bien Gilles Deleuze dans Francis Bacon⁸, quand il parle du peintre ; le problème en effet pour moi, n’était pas tant d’entrée dans la réalisation plastique mais plutôt de pouvoir en sortir :

   Marie-Claude Joulia⁹, dans son ouvrage sur l’art thérapie, décrit, elle, l’artiste comme point d’appui en devenant “l’artiste passeur” de par son propre travail de créateur ; “il tente, dit-elle, d’approcher l’abîme, non dans l’évitement du vide et de l’absence, mais par le travail d’une mise en présence de points, facilitant la rencontre, prenant possession de l’espace, jouant entre construction et déconstruction, ténèbres et lumières.”

   Confrontation au vide et aux limites : L’espace à remplir avant que le projet ne commence, ou un projet abouti qui vous laisse vide (c’est le moins qu’on puisse dire !), le blanc d’une toile, la solitude dans l’atelier, le trop plein à vouloir exprimer et à ne pouvoir d’un seul trait le retranscrire, le doute constant, le vide relationnel que cela nous impose pour être en bonne condition de création me fait mettre en parallèle ce même dépassement des limites chez l’enfant autiste que l’on doit contenir pour qu’il ne se laisse de trop déborder par une angoisse, faisant apparaître des gestes stéréotypés et un comportement atypique qui crée également le vide autour de lui !

   Selon Claude Sternis et bien d’autres : “Les personnes autistes seraient la proie d’angoisses spécifiques, de vide (vidage, liquéfaction, chute, dissolution, anéantissement du corps, vertige spatial…) et de perçage… non contenues, transformées et métabolisées par la relation.”¹⁰

   Sensation que nous ressentons tous à un moment de notre vie mais peut-être de façon moins intense et extrême.

   L’enfant autiste frôle sans cesse les extrêmes, les siennes, celles de l’intervenant, celles du cadre et de l’exercice en question, expérience que je vis également dans mon travail artistique.

   D. Anzieu, dans Le corps de l’œuvre¹¹, constate que “l’angoisse, la souffrance, la terreur, le vide intérieur peuvent être tel, que la création apparaisse comme la seule autre issue, à la fois possible et impossible.”

   Gilles Deleuze, dans Francis Bacon Logique de la Sensation¹², ne semble pas croire au blanc de la toile, “C’est une erreur de croire que le peintre est devant une surface blanche. ” Au contraire, il dit que le peintre a toujours quelque chose dans sa tête ! “Or tout ce qu’il a dans la tête ou autour de lui est déjà dans la toile, plus ou moins virtuellement, plus ou moins actuellement, avant qu’il commence son travail. Tout cela est présent sur la toile, à titre d’images, actuelles ou virtuelles. Si bien que le peintre n’a pas à remplir une surface blanche, il aurait plutôt à vider, désencombrer, nettoyer…” ; ce n’est pas tout à fait faux, mais pas toujours exact. Il omet que l’artiste passe également par des périodes de vide total, il mentionne pourtant cette expérience du chaos :

   Effectivement, les moments où l’artiste est en communion totale avec son travail, déconnecte inévitablement d’une certaine réalité. Je n’ai pas encore fait l’expérience de cet état extrême hystérique, mais je sens bien là, ce que Deleuze a voulu dire.

   Dans ma recherche, j’ai particulièrement été intéressée par la notion de Moi-peau de D. Anzieu¹³, je souhaite en développer ma compréhension et mettre en parallèle la métaphore de cette peau de l’autiste si fragile qu’il ne nous laisse pas toucher, le Moi de l’autiste, si en difficulté dans notre monde ; et cette peau métaphore de la toile qui bien souvent vient exprimer ce Moi si fragile de l’artiste, comme une seconde peau, une sorte de carapace que l’enfant autiste semble parfois revêtir.

   J’aborderai la défaillance du pare-excitation (C’est la coordination mère-enfant, avec un léger décalage dans l’anticipation dans limitation ou encore dans les réponses qui permettent de constituer ce pare-excitation) et de la contenance.

   D’un point de vue théorique, je prends comme postulat les concepts développés par Freud, Winnicott, Klein et Anzieu.

   Mon travail ne consistera pas à développer ces concepts mais à étudier l’autisme et la spécificité de ses mécanismes en vue d’ébaucher une sorte de méthode de travail en arts plastiques. Je mettrai en évidence ce que la psychanalyse peut apporter à la définition de ce qu’est l’autisme qui je crois mérite son éclairage revisité depuis le malentendu des années 70-80 entre les parents et la psychanalyse.

   Aujourd’hui, les familles sont les bienvenues pour échanger avec les unités de soins et reprendre leur rôle dans l’éducation de leurs enfants. Sans trop d’intrusion d’un côté comme de l’autre, cela me semble être une démarche intéressante.

   Je me réjouis de l’évolution des idées qui veut faire se rencontrer des approches de soins complémentaires afin qu’elles soient ensemble au service d’un mieux-être des enfants et de leur famille.

   Ce qui n’était manifestement pas le cas dans les années 70 / 80 ; les documentaires de Daniel Karlin sur l’école orthogénique (Sonia Shankman de l’université de Chicago) dont Bruno Bettelheim était le directeur depuis 1944 ont soulevé d’énormes polémiques. Les associations des parents d’enfants autistes combattent aujourd’hui encore l’image de B. Bettelheim.

   Ces documentaires m’ont personnellement beaucoup impressionné, je les ai vus à l’âge de 15 ans, ils ont également provoqué en moi une véritable passion pour le sujet de l’autisme. Depuis lors, je n’ai eu de cesse de lire les ouvrages de Bettelheim mais aussi bien d’autres auteurs traitant de l’autisme (voir bibliographie).

   D’un point de vue méthodologique, mon travail de recherche n’est pas une étude statistique, ni une étude comparative, mais le résultat d’une observation active de plasticienne concernée par l’autisme, d’un point de vue extérieure à l’institution, dans mon atelier.

   L’objet de ce mémoire est une contribution théorique à la compréhension de la “clinique” de l’autisme infantile ainsi qu’à une approche des enjeux transférentiels et contre-transférentiels dans des lieux tels qu’un atelier qui ne se veut ni d’occupation, ni de conditionnement, ni de thérapie.

   Je ne me revendique d’aucune école en particulier, si ce n’est en partie de toutes celles que j’ai suivi, et des nombreuses personnes, artistes, professeurs ou thérapeutes, que j’ai rencontré depuis l’âge de 15 ans.

   Ces personnes m’ont aidée à tisser la toile, sur laquelle je vis chaque moment en y déposant les différentes touches et couleurs qui me sont apportées par ces rencontres, ce qui me permet aujourd’hui, après bien des recherches identitaires, d’évoluer dans le milieu de l’autisme mais aussi dans celui de l’art.

   Ce mémoire de maîtrise approfondira le sujet de l’autisme plus qu’il ne le fera de la part artistique qui elle sera certainement développée dans un autre mémoire. Je donnerai quelques exemples d’atelier et passerai lors de ma soutenance, un film de 10 mn sur l’atelier dont le commentaire est retranscrit au chapitre II, VI, p. 129 ainsi que quelques photos des travaux d’enfants et d’adultes illustrant les techniques utilisées. [En fin de film et tout au long de ce mémoire ainsi qu’en annexe p. 134.]

   Je tenterai dans ce mémoire, de me tenir à l’écart des querelles concernant les différents courants sur les origines de l’autisme mais aussi des différences qui morcellent toutes les associations des familles d’enfants autistes.

   Le schéma selon lequel le mouvement associatif des parents s’est développé est décrit dans cette mise au point du rédacteur en chef, Monsieur Pierre Fouquet relevé dans la revue La lettre d’Autisme France, n°2 de novembre 1999. On y voit bien les différents désaccords notamment autour de la psychanalyse :